Живопись. Графика. Скульптура

[Alina]

Фонтан «Плюющиеся лидеры»
Композиция состоит из четырёх фигур, три из них узнаваемы — Сталин, Франко, Людовик XIV. Кто четвертый?

https://diletant.media/articles/45352353/

Автор фонтана «Плюющиеся лидеры» (Spitting Leaders), испанец Фернандо Санчес Кастильо, не смог установить его у себя на родине. В 2008 году работа скульптора была представлена на выставке современного искусства в голландском Арнеме (административный центр провинции Гелдерланд), а затем выкуплена городскими властями для парка Презикхааф.





Композиция, которую ещё называют «фонтаном диктаторов», состоит из четырёх фигур, три из них узнаваемы — Сталин, Франко, Людовик XIV. По поводу ещё одного члена «банды четырёх» ясности нет. Изначально в анонсе арнемской выставки был обещан — и вполне заслуженно! — Адольф Гитлер, но его так и не обнаружили среди плюющихся друг в друга диктаторов. Кто-то признал в четвёртой скульптуре Хосе де Сукре, президента Боливии и ярого гонителя индейцев и церкви. Кто-то — испанского короля Хуана Карлоса, чьё правление было скомпрометировано коррупционным скандалом. Ну и, конечно, хватило советчиков, требующих поместить в композицию своих супостатов — то Пол Пота, то Тито, то Мао, то Пиночета...



Что же касается трёх опознанных деспотов, то со Сталиным и Франко всё понятно: на их совести сотни тысяч, если не миллионы безвинных жертв. Есть что предъявить и Людовику XIV. Нидерланды, пригревшие у себя фонтанную скульптуру «короля-солнца», могут припомнить ему захватническую Франко — голландскую войну, а та же Испания, где родился Фернандо Кастильо, — целый букет конфликтов, «украшающий» её многовековые отношения с Францией. А все вместе — режим абсолютной монархии, который Людовик выстроил на целых 72 года.

Скульптор не объясняет ни своей идеи, ни подбора персонажей. Попробуем догадаться. Четвёртое имя может быть любым: претендентов в истории более чем достаточно. И в любом случае всех этих «героев» ждёт в будущем жалкий вид в издевательской роли «плюющегося диктатора». Или «плёвых лидеров», как перевёл на русский словосочетание spitting leaders интернет-переводчик.

[Demetrius]

Кто остался неопознанным? Персонаж с лысой головой?

[Alina]

Вы не можете просматривать это вложение.

Сальвадор Дали назвал эту картину «Galacidalacidesoxyribonucleicacid» (1963). Кто-нибудь может с первого раза прочесть его вслух?
Картина посвящена Джеймсу Уотсону и Френсису Крику - первооткрывателям двойной спиральной структуры ДНК. В названии обыграно имя Гала Дали и словосочетание Дезоксирибонуклеиновая кислота.

[Alina]

Кто остался неопознанным? Персонаж с лысой головой?

Получается, что да.

[Demetrius]

Получается, что да.

На Муссолини похож.

[Alina]

Единственный прижизненный бюст Григоря Распутина

«Благообразная жидкая раскольничья борода, ничего не выражающий лоб и хитренький взгляд где-то глубоко спрятавшихся глаз».

https://diletant.media/articles/45353691/


_{Распутин позирует Науму Аронсону.}

Этот бюст часто называют единственным прижизненным скульптурным портретом Григория Распутина, созданным с натуры. И уж точно это единственная широко известная фотография фаворита императорской семьи, позирующего скульптору.

Наум Аронсон встречался с одним из самых влиятельных и самых ненавидимых людей в Петербурге по просьбе высочайших особ — в некоторых воспоминаниях ссылаются на волю самой императрицы Александры Фёдоровны.

Где проходила встреча, не вполне ясно. В столице у Аронсона была своя мастерская, но это могла быть и квартира «старца». Распутин позировал одновременно и скульптору, и фотографу — этот кадр впоследствии был растиражирован, он использовался, например, как открытка. Чаще всего — в обрезанном или отретушированном виде. Из тёмного дверного проема вымарывали голову некоего мужчины, в котором можно признать телохранителя Распутина.

Сам бюст был готов уже к середине июля 1915 года. Журнал «Искры» напечатал в выпуске от 12 числа фотографию скульптурного изображения с короткой заметкой о том, что Григорий Распутин готовит книгу «Мои мысли и размышления», а скульптор Аронсон «сделал бюст старца в новой для него роли писателя».

Спустя полтора года, 17 декабря 1916 года по старому стилю, Распутин был убит: заговорщики отравили фаворита, расстреляли его из револьверов и избили до смерти.

Бюст в Петербурге не остался — Наум Аронсон забрал его с собой во Францию (он считался парижским скульптором). В 1926 году в эмигрантской газете «Возрождение» встречалось упоминание об этой работе: «Знакомые черты: как будто примасляные, гладкие косички волос, благообразная жидкая раскольничья борода, ничего не выражающий лоб и хитренький взгляд где-то глубоко спрятавшихся глаз». В тридцатые годы бюст вместе с другими работами Аронсона выкупил Тель-Авивский музей изобразительных искусств.

Что касается скульптора, то он пережил и Первую мировую, и российские революции. Он застал начало Второй мировой и был вынужден бежать из ставшего ему родным Парижа. Умер Наум Аронсон в 1943 году в Нью-Йорке в возрасте 70 лет.

[Сергей В.]

«Знакомые черты: как будто примасляные, гладкие косички волос, благообразная жидкая раскольничья борода, ничего не выражающий лоб и хитренький взгляд где-то глубоко спрятавшихся глаз».

На скульптора бы оборотились, что ли. Я бы вообще этим словесным выкрутасам не очень верил - ясно же, что роль и значение старца были преувеличены и демонизированы. Вот одно из его последних и широко известных фото:

Скульптор же имхо явно его состарил, там мало общего с оригиналом.

[Demetrius]

На скульптора бы оборотились, что ли.

Они, кстати, удивительно похожи друг на друга в профиль. Только шевелюры разные. Один "Григорий", другой "Аронсон".

[Ems Länder in]

Скульптор же имхо явно его состарил, там мало общего с оригиналом.

Состарил и облагородил, вместо Распутина какой-то Гендальф получился.

[Demetrius]

Состарил и облагородил, вместо Распутина какой-то Гендальф получился.

Морозко.
https://yandex.ru/images/search?pos=4&img_url=http%3A%2F%2Fi05.fotocdn.net%2Fs128%2Fd28e2c0e66fa3608%2Fpublic_pin_l%2F2910850244.jpg&text=хвыля%20в%20роли%20деда%20мороза&lr=2&rpt=simage&source=serp

[Alina]

Как же они мне нравятся!

[Марлена]

Кто остался неопознанным? Персонаж с лысой головой?

мож он кого из будущего слепил?

[Марлена]

две картина Ван Гога "Ирисы" и "Куст"





«И́рисы» (фр. Les Iris) — картина нидерландского живописца Винсента ван Гога. «Ирисы» были написаны художником в 1889 году — в то время, когда он жил в лечебнице Святого Павла Мавзолийского близ Сен-Реми-де-Прованс, за год до своей смерти.

В картине отсутствует высокая напряжённость, которая проявляется в его последующих работах. Он назвал картину «громоотвод для моей болезни», потому что он чувствовал, что может сдерживать свой недуг, продолжая писать. В картине прослеживается влияние японских гравюр укиё-э, как и в других работах Ван Гога и части его современников. Это сходство проявляется в выделении контуров объектов, необычных ракурсах, наличии детально прорисованных областей, залитых сплошным цветом, не соответствующим реальности.

Одновременно с «Ирисами» Ван Гог написал картину «Куст», ныне находящуюся в собрании Эрмитажа. Сам художник в письме к своему брату Тео писал об этом: «У меня в работе два новых сюжета, найденные здесь в саду, — лиловые ирисы и куст сирени. Мысль о том, что я должен трудиться, всё сильнее овладевает мною, и я надеюсь, что моя работоспособность вскоре полностью восстановится. Беда лишь в том, что работа зачастую слишком уж захватывает меня, поэтому мне кажется, что я навсегда останусь оторванным от жизни и не способным ни на что другое, кроме своего ремесла». Через два месяца обе эти картины были уже готовы и отправлены брату; Винсент в сопровождающем письме, написанном около 9 июля, называет их «Ирисы» и «Сирень»


Первым владельцем полотна "Ирисы" был французский искусствовед и анархист Октав Мирбо, заплативший за полотно 300 франков. В 1987 году «Ирисы» стали самой дорогой картиной, установив рекорд, который продержался на протяжении двух с половиной лет; в то время картина была продана за 53,9 млн долларов Алану Бонду, но у него не было достаточно денег, чтобы завершить сделку. «Ирисы» были перепроданы в 1990 году музею Гетти в Лос-Анджелесе.

Действительно, от Ирисов веет спокойствием относительным, тот же последующий Куст и др - более беспокойные, напряженные.

[Alina]

«Офелия» Милле

По легенде, Элизабет Сиддал, с которой Джон Эверетт Милле писал тонущую Офелию, вскоре после завершения полотна скончалась.

https://diletant.media/articles/39612100/

Сюжет

Из шекспировского «Гамлета» Милле не нашёл сцены лучше, чем гибель Офелии. Сошедшая с ума девушка, не дождавшаяся любви принца и потерявшая отца, сплела венок и предала себя воле волн. Искажённое лицо, сведённые судорогой руки, растрепавшиеся волосы и разметавшиеся цветы — таков образ агонии.

Несколько дней Милле писал по частям пейзаж, выбрав место у реки Хогсмилл, в графстве Суррей. При этом неизвестно, был ли художник точен в часах. По всей видимости, он писал в течение нескольких дней каждый раз в разное время суток, а затем «склеивал» этюды в мастерской.

https://diletant.media/upload/medialibrary/f21/f21c2a73b137240143822e6915846eb5.webp
_{«Офелия», 1852.}

Вот как Милле описывал свои впечатления от пленэров: «В течение одиннадцати часов я сижу в костюме под зонтиком, отбрасывающим тень размером не больше, чем полпенни, с детской кружечкой для питья... Мне угрожает, с одной стороны, предписание предстать перед магистратом за вторжение на поля и повреждение посевов, с другой — вторжение на поле быка, когда будет собран урожай. Мне угрожает ветер, который может снести меня в воду и познакомить с впечатлениями тонувшей Офелии, а также возможность (впрочем, маловероятная) полного исчезновения по вине прожорливых мух. Моё несчастье усугубляют два лебедя, упорно разглядывающие меня как раз с того места, которое я хочу рисовать, истребляя по ходу дела всю водную растительность, до которой они только могут дотянуться».

В качестве Офелии позировала 19-летняя Элизабет Сиддал, для которой было специально куплено старинное расшитое платье. Девушка терпеливо лежала в ванне, которую подогревали лампами. Есть история, что однажды одна из ламп перегорела, Элизабет замёрзла и заболела туберкулёзом. Однако есть версия, что Сиддал болела и до позирования. Как бы то ни было, Милле пришлось оплатить лечение.


_{Элизабет Сиддал.}

Каждый цветок в венке Офелии не только выписан так, что ботаник не придерётся, но ещё и наделён средневековым символизмом. (Правда, тут надо оговориться, что в Викторианской Англии уже мало кто помнил эту «цветочную азбуку»). Так, лютики — символ неблагодарности, инфантилизма; ива — отвергнутой любви; крапива — боли; маргаритки — невинности; розы — любви и красоты; фиалки и незабудки — верности; адонис — горя.

Контекст

Джон Эверетт Милле был одним из основателей братства прерафаэлитов. Объединённые этим красивым словом авторы — причём не только живописцы, но также поэты, архитекторы, издатели и т. п. — полагали, что искусство Викторианской Англии зашло в тупик и должно вернуться к доакадемическим традициям, то есть к эпохе Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. До конца неясно, почему на роль основателя академизма был выбран именно Рафаэль, а не, скажем, Леонардо да Винчи или Тициан.

Восстав против Королевской академии художеств, определявшей лицо британского искусства, они выступали против условности «образцовых» произведений. По их мнению, искусство должно было способствовать возрождению духовности в человеке, нравственной чистоты и религиозности, не скованной обрядностью. Видимо поэтому они вольно трактовали евангельские сюжеты, отступая от принятых композиционных и колористических канонов. Правда, зрителям не всё было понятно. Например, почему привычный им Иисус вдруг превратился в «рыжеволосого еврейского паренька», как написала критика о картине «Христос в родительском доме».


_{«Христос в родительском доме», 1850.}

В качестве тем прерафаэлиты предпочитали сюжеты со скрытой драмой. Особенно о неразделённой или отвергнутой любви. Обращаясь к историческим сюжетам, прерафаэлиты старались быть максимально точны в изображении костюмов. Конечно, они не проводили дни напролёт в архивах, но, например, во время путешествий в Италию копировали фрески, с которых потом брали материал для своих полотен.

Старые мастера, которым поклонялось братство, не знали того, что в 19-м веке было само-собой разумеющимся в живописи: перспектива, свето-теневая лепка лица, пропорции тела. И прерафаэлитам, желавшим смотреть на мир, как это делали художники до Возрождения, надо было всё это забыть. Однако, конечно, эта была абсолютная утопия.

Прерафаэлиты выбирали в качестве моделей друзей или родственников. На их картинах нет вымышленных или случайных лиц. Настаивали они и на необходимости писать только с натуры. Пейзажи требовали от живописцев выносливости. Шутка ли, сидеть или стоять часами под палящим солнцем, дождём или ветром?! Вероятно, поэтому пейзаж довольно быстро был оставлен.


_{«Мариана» Джона Эверетта Милле.}

Критика писала, что декларируя следование правде и приверженность простоте природы, прерафаэлиты на самом деле «рабски имитируют художественную неумелость». Несмотря на это, братству удалось сформировать новый стиль жизни и новый тип женской красоты.

Просуществовали прерафаэлиты недолго. Вскоре после признания публикой братство распалось, и ни одна попытка воссоединения не увенчалась успехом.

Судьба автора

Милле был гением — в Королевскую академию художеств его приняли в 11 лет, и это при том, что уроки рисования он начал брать лишь за два года до того. Проведя восемь лет как прилежный живописец, в 1848 году на одной из выставок Милле познакомился с Холманом Хантом и Данте Габриэлем Россетти. Именно им принадлежала идея организации братства прерафаэлитов.


_{Джон Эверетт Милле.}

Поначалу критика — и, как следствие, отсутствие заказчиков — не беспокоила Милле. Всё изменилось после женитьбы на Эффи Грей. Кстати, Милле увёл её у Джона Рескина. История эта достойна мелодрамы. После пяти лет брак Грей и Рескина так и не был консумирован. Это, а также супружеская неверность Эффи, стало причиной развода и последующей свадьбы с Милле.

Новобрачным нужно было на что-то жить, и тогда Милле начал писать быстро и продаваемо. Это означало отречение от идеалов прерафаэлитов, что вполне неплохо окупалось примерно по 30 тыс. фунтов в год. На портретах и пейзажах Милле заработал не только состояние, но и титул баронета, а затем и пост президента Королевской академии художеств.

[Demetrius]

Объединённые этим красивым словом авторы — причём не только живописцы, но также поэты, архитекторы, издатели и т. п. — полагали, что искусство Викторианской Англии зашло в тупик и должно вернуться к доакадемическим традициям, то есть к эпохе Перуджино, Фра Анжелико, Джованни Беллини. До конца неясно, почему на роль основателя академизма был выбран именно Рафаэль, а не, скажем, Леонардо да Винчи или Тициан.

Наверное, потому что Рафаэль был официальным художником при папском дворе.